Le paradigme de l'art contemporain Nathalie HEINICH

Ce n'est pas un livre sur la sculpture mais sur l'art contemporain qui la concerne aussi.
Je trouve que ce livre, qui ne cherche pas à vous faire changer d'avis sur l'art contemporain, va assez loin par rapport à d'autres qui restent à la surface du phénomène, pour nous faire comprendre ce qu'est l'art contemporain.
Les 80 premières pages sont difficiles à lire parce qu'on y parle beaucoup de concepts mais ensuite on découvre beaucoup de choses, avec des exemples, sur les mécanismes de cet art qui veut se démarquer de l'art classique et moderne. On apprend par exemple que l'oeuvre d'art peut être dématérialisée, l'artiste n'étant pas celui qui fait mais qui fait faire à partir du concept qu'il a établi, que l'oeuvre d'art ne se limite pas à l'objet, la video ou le tableau créés mais que l'art contemporain y ajoute tout ce qui est en périphérie comme la communication autour de l'oeuvre, les expositions, les vidéos etc..
Les différentes stratégies sont expliquées pour un artiste qui veut réussir dans l'art contemporain (attention il faut avoir réussi avant 30 ans pour intéresser le marché) qui peut soit être identifié auprès des collectionneurs et galeries soit directement par les musées ce qui dans ce cas valorise par la suite sa cote auprès des collectionneurs
On comprend mieux le rejet du grand public envers cet art car en définitive il n'est pas fait pour lui. On découvre qu'il s'agit d'un cercle fermé entre artistes, galeries collectionneurs fortunés, musées et tous les intermédiaires vivant dans le circuit de l'exposition et de la commercialisation de l'art contemporain.
Après avoir lu ce livre on ne verra plus les oeuvres d'art contemporain de la même façon, quitte à ne pas mieux les apprécier.

http://www.gallimard.fr/Catalogue/GALLIMARD/Bibliotheque-des-Sciences-humaines/Le-paradigme-de-l-art-contemporain

Source: "le Nouvel Observateur" du 27 mars 2014.

Mais que cherchent les artistes contemporains ?
par Eric Aeschimann

Ils coupent des veaux en deux ou exposent des peluches géantes. La sociologue Nathalie Heinich nous explique pourquoi.

Le Nouvel Observateur : Vous estimez que l'art contemporain n'est pas la simple prolongation de l'art moderne, mais relève, comme l'indique le titre de votre livre «le Paradigme de l'art contemporain», d'une logique entièrement différente.

Nathalie Heinich : On a tendance à utiliser «art moderne» et «art contemporain» comme des termes équivalents, dont la seule différence serait chronologique. C'est une erreur : il y a autant de différences entre l'art contemporain et l'art moderne qu'entre l'art moderne et l'art classique. Chacun se distingue par des règles du jeu implicites, qui forment ce que Thomas Kuhn appelait un «paradigme».

Ainsi, l'art moderne repose sur la transgression des règles de la figuration classique (impressionnisme, cubisme, surréalisme... ). L'art contemporain, lui, transgresse la notion même d'œuvre d'art telle qu'elle est communément admise. Par exemple, l'œuvre ne sera plus faite de la main de l'artiste mais usinée par des tiers. L'acte artistique ne réside plus dans la fabrication de l'objet mais dans sa conception, dans les discours qui l'accompagnent, les réactions qu'il suscite... L'oeuvre peut être éphémère, évolutive, biodégradable, blasphématoire, indécente.

Un courant apparu dans les années 1980, le «simulationnisme», proposait même de faire disparaître toute idée d'originalité, puisqu'il s'agissait de reproduire avec la plus grande exactitude des œuvres déjà existantes. L'art contemporain est une invention permanente des manières d'expérimenter les limites ontologiques (la notion d'œuvre) et morales (la façon d'être de l'artiste). D'où la violence des réactions qu'il suscite.

Damien Hirst et Jeff Koons, probablement les deux figures les plus connues aujourd'hui de l'art contemporain, illustrent-ils ce paradigme ?

Même s'ils ne sont qu'un épiphénomène de l'art contemporain, ils illustrent bien en effet la rupture avec les conventions de l'art moderne. Jeff Koons est un ancien trader et s'habille en complet veston, contrastant avec les pantalons de velours fatigués de l'artiste bohème.

Lui et Hirst ne cachent pas qu'ils gagnent beaucoup d'argent, et qu'ils en dépensent beaucoup aussi. Ce sont des entrepreneurs, avec des ateliers de plusieurs dizaines de personnes qui réalisent leurs œuvres, et que l'on retrouve autant en pages people des journaux qu'en pages culture. Leurs œuvres se situent au croisement du sensationnalisme et de la culture populaire: Hirst expose un veau coupé en deux et conservé dans le formol, Koons construit des peluches monumentales. Cette tendance correspond à l'arrivée sur le marché de l'art de nouveaux acheteurs liés à la financiarisation de l'économie mondiale (traders, bourgeoisie des pays émergents).

Depuis une quinzaine d'années s'est formée une bulle artistico-fnancière qui a porté certaines oeuvres à des prix extravagants, ce qui résonne avec l'esprit de ces oeuvres - le kitsch, le cynisme, le spectaculaire. Mais l'art contemporain, qui existe depuis une soixantaine d'années, ne se réduit pas à cette variante assez récente et à vrai dire assez extrême: d'autres courants, plus intellectualisés ou plus émotionnels ou sensoriels, sont davantage appréciés par la plupart des critiques, à l'image de Joseph Beuys ou Daniel Buren, Christian Boltanski, Bill Viola, James Turrell, Anish Kapoor, ou encore, pour remonter dans le temps, Marcel Duchamp et ses fameux ready-mades.


L'art contemporain se distingue également par un nouveau système d'exposition et de commercialisation, et donc de reconnaissance de l'artiste.

Là encore s'est produit un changement de paradigme : en art moderne, la reconnaissance d'un artiste nouveau se faisait d'abord par les galeries et les collectionneurs ; ensuite venaient les musées et enfin le public. En art contemporain, le personnage central est, avec le critique, le commissaire d'exposition, un métier relativement nouveau. Le commissaire opère pour un organisme public - musée, biennale, centre d'art -, et ses choix vont permettre à la cote d'un artiste de décoller. Toutefois, cette prépondérance du public sur le privé tend à se renverser avec la «bulle» des quinze dernières années, où le marché a repris un rôle majeur, du moins pour la consécration des artistes déjà repérés.

Certains artistes se muent en hommes d'affaires et certains hommes d'affaires sont des collectionneurs très actifs. L'art contemporain serait-il devenu le miroir d'une époque régie par la finance?

Depuis toujours la possession d'une œuvre d'art est un moyen privilégié pour afficher sa puissance: la rareté de la pièce unique attise la spéculation. Mais, pas plus que Michel-Ange n'était que le «miroir» de la puissance papale, l'art contemporain ne peut être réduit à un miroir de la finance moderne - ne serait-ce qu'en raison du poids des pouvoirs publics dans sa promotion, qui lui vaut chez certains l'accusation d'être un «art officiel» .

L'art contemporain actuel est, comme le monde marchand, mondialisé: il n'y a plus guère d'écoles nationales, et les propositions artistiques circulent autour de la planète comme les ordres de Bourse. Le rapport au temps est lui aussi en consonance avec la culture actuelle: les intermédiaires cherchent à promouvoir des artistes toujours plus jeunes, et l'on voit des artistes qui ont eu très tôt leur heure de gloire retomber brutalement dans l'anonymat. Le passé s'oublie de plus en plus vite, les artistes arrivent avec une culture de plus en plus axée sur le temps présent, et certains critiques aussi. Il n'existe plus guère non plus de groupes d'artistes, comme dans l'art moderne et dans la première génération de l'art contemporain - autre tendance en phase avec un individualisme généralisé.

Au fond, on se demande ce que cherche l'artiste contemporain.

L'artiste moderne déconstruisait les règles académiques de la figuration au nom d'un impératif romantique: l'expression de l'intériorité. Cette quête exigeait que l'artiste lui sacrifie une réussite trop facile, la vocation devant l'emporter sur la consécration à court terme.

L'art contemporain transgresse aussi cet impératif: l'intériorité devient un stéréotype dont on se joue, en affectant au besoin des postures de dandy ou de cynique. Jeff Koons peut ainsi déclarer : «Le marché est le meilleur critique [...]. Mon œuvre n'a aucune valeur esthétique [...]. Je pense que le goût n'a aucune importance.»

Et Maurizio Cattelan raconte comment, pour une de ses expositions, il avait convaincu ses galeristes de s'habiller en Jane et Tarzan, ou d'organiser un voyage en jet privé sur une décharge de Naples. L'artiste d'hier était maudit, incompris, forcément malheureux: tel était le prix à payer pour incarner une nouvelle forme d'élite. Celui du troisième millénaire peut réaliser les idées les plus farfelues sans que les institutions ne posent de limites - au contraire, elles encouragent ce que certains nomment des «questionnements», d'autres des «provocations». Comme si l'artiste était implicitement chargé par le public d'incarner un fantasme de toute-puissance...

Votre livre ne porte pas de jugement direct, mais on croit comprendre que votre appréciation globale sur l'art contemporain est plutôt négative.

Je travaille sur le sujet depuis près de trente ans, en tâchant de le faire non comme critique d'art mais comme sociologue. Le rôle d'un chercheur n'est pas de trancher entre ces opinions, mais de dégager les valeurs qui les sous-tendent. Pour certains, l'art contemporain est un révélateur désolant et une caricature navrante des travers les plus infantiles de l'époque. Pour d'autres, c'est au contraire un outil de réflexion fascinant et même une catharsis saine et souhaitable.

Quant à mon opinion personnelle, elle est des plus banales: certaines propositions en art contemporain me paraissent magnifiques, d'autres sans aucun intérêt. Du reste, c'est l'une des grandes caractéristiques de l'art contemporain que de pousser à avoir une opinion, d'être un excitant à opinion. Et, en cela aussi, il appartient bien à notre époque.

Propos recueillis par Eric Aeschimann

NATHALIE HEINICH, sociologue, directrice de recherche au CNRS, vient de publier "le Paradigme de l'art contemporain" (Gallimard), qui est le point d'aboutissement du travail qu'elle mène depuis une trentaine d'années sur le sujet. Elle a également publié "Pourquoi Bourdieu" (Gallimard, 2007), où elle analyse sa rupture avec le sociologue, et "Maisons perdues" (Thierry Marchaisse, 2013), où elle évoque son enfance.

Source: "le Nouvel Observateur" du 27 mars 2014.

Voila avec cet interview, une très bonne synthèse du livre de Nathalie Heinich.
Comme l'écrivait MarcT le problème avec l'art contemporain c'est qu'il est mis en avant par les musées, les galeries et tous les intervenants de la chaîne artistique en ringardisant tout ce qui ne lui ressemble pas et qui pourtant fait partie de la création d'aujourd'hui. Ce faisant ce phénomène entraîne la disparition d'artistes qui ne peuvent vivre de leur travail.

Oui, ceux qui ont le don de faire passer pour des ringards les autres, sont les mêmes qui font passer leur truc pour de l'art contemporain alors que ce n'est qu'une copie de ce qui s'est déjà fait et parfois en mieux il y a 60 ans.
ou même moins longtemps de cela...
pour illustrer : philippe berry

ça vous rappelle pas quelqu'un ?

Attention j'entends des pas dans le couloir !
ça doit être FeuGeu qui arrive et qui va nous dire : "sinon, y'a la TEC"

fg n'est pas dans la même démarche. Il propose un espace d'exposition à des artistes contemporains. Je ne pense pas que les oeuvres des exposants se vendent plusieurs millions d'euros dans les ventes aux enchères de Christies ou sothebis. Ou alors il cache bien son jeu le fg de Voiron   

(Concernant l'article ci-dessous) C'est quoi ce classement ? On parle du classement d'une valeur boursière ?

"Richard Orlinski :
Richard Orlinski est un artiste français né en 1966 à Paris. Sculpteur depuis 2004, il s'est entouré d'une équipe de techniciens hautement qualifiés. Ses œuvres d’art, conçues autour du concept "Born Wild", témoignent de valeurs essentielles dans un style résolument contemporain, qui ne cède jamais au trash, à l’extravagance ou à l’éphémère.
Ses œuvres touchent un public large, y compris les enfants fascinés par ses créations iconiques. Invité d’honneur à Art Elysées, à Art Paris, à l’Artiferia de Bologne, aux festivals de Cannes, de Deauville, de Cabourg... En 2010, il est classé deuxième artiste français contemporain le plus vendu en France par ArtPrice et deux de ses oeuvres figurent parmi les dix plus fortes enchères de l'année 2011. En 2011/2012, il est classé troisième artiste français et en 2012/2013 il se classe quatrième artiste français et pointe à la 207° place mondiale !
Richard Orlinski sculpte pour sublimer la réalité et créer des œuvres d’art vivantes, belles et intemporelles, qui suscitent l’émotion dans le regard de l’autre. Profondément ancré dans son époque, Richard Orlinski utilise principalement des matériaux contemporains comme la résine et l’aluminium, mais également le marbre, la pierre et le bronze."

et tiens, je t'ai fait aussi un article Bernard, pour montrer comme le discours ci-dessus peut s'adapter à la plupart :
Bernard Lougarre est un artiste français né en 19** à Paris. Sculpteur depuis 20**. Ses œuvres d’art, conçues autour du concept "Chmil-blick", témoignent de valeurs essentielles dans un style résolument contemporain, qui ne cèdent jamais au trash, à l’extravagance ou à l’éphémère.
Ses œuvres touchent un public large, y compris les enfants fascinés par ses créations iconiques.  
Bernard Lougarre sculpte pour sublimer la réalité et créer des œuvres d’art vivantes, belles et intemporelles, qui suscitent l’émotion dans le regard de l’autre. Profondément ancré dans son époque, Bernard Lougarre utilise des matériaux contemporains, mais également le marbre, la pierre et le bois."
euh... le marbre n'est pas de la pierre ?

Tu sais personnellement je ne m'intéresse à la question de l'art contemporain que par pure curiosité, pour essayer de comprendre comment tout ce système fonctionne.
Je suis à des années lumière de tout ça. Je n'espère pas être un jour dans ces cercles très fermés. Je ne sculpte que par plaisir et parce que je me sens à mon aise dans la fréquentation de la communauté des sculpteurs (de pierre surtout qui est le médium que je préfère).
Je m'interesse plus aux valeurs humaines de ce milieu (abnégation, patience, camaraderie, entraide, dépassement de soi, humilité) qu'au désir de briller et gagner beaucoup d'argent.
Ceci dit je suis ouvert à tout et dans le cadre d'un forum où on échange sur nos idées liées à l'art je veut bien partager.
Pour finir je ne me sens pas du tout intéressé par l'état d'esprit de beaucoup de certains créateurs (pas tous) qui considèrent l'art comme une marchandise.
Pour en revenir au livre de Nathalie Heinich elle cite Maurizzio Catelan qui en gros disait que dans les années 70 quand il a commencé à produire de l'art contemporain avec ses copains il ne pensait pas en vivre un jour. Pour lui l'état d'esprit actuel des jeunes créateurs n'est plus le même que celui de sa génération ; il citait un jeune artiste qui disait "si à 30 ans je n'ai pas réussi dans l'art contemporain, je retourne travailler à la banque";
Le monde a changé, avec la mondialisation les traders deviennent artistes (Jeff Koons) et leur objectif est de gagner beaucoup et très vite (comme à la city de Londres) quitte à produire des oeuvres sans recherche de sens (exposition d'art contemporain au château de Versailles par exemple).
Ceux qui achètent ont beaucoup d'argent (gagné grâce à la mondialisation qui ouvre des horizons radieux aux spéculateurs de tout poil) mais n'ont pour la plupart aucune culture artistique. Il n'est donc pas utile de produire pour eux (le grand public est fauché et n'est pas la cible recherchée) des oeuvres sophistiquées. Ce que ces gens recherchent c'est d'avoir des trophées qu'ils peuvent exhiber comme preuve de leur réussite.
L'histoire dira (peut-être dans un siècle) ce qui méritait l'appellation d'oeuvre d'art.

Bernard Lougarre a écrit:

Voila avec cet interview, une très bonne synthèse du livre de Nathalie Heinich.

Je me tâte pour lire ce livre, mais si la synthèse le résume si bien, est-il alors intéressant de lire en plus le livre ?
Qu'apporte-t-il de plus ?

Dans le livre il y a beaucoup d'exemples ce qui donne envie d'en savoir toujours plus. C'est un livre qu'il faut lire en plusieurs fois (deux ou trois chapitre chaque fois) et qui fait se remettre en cause et réfléchir par rapport à nos idées reçues. Il les bouscule sans vouloir nous convaincre.
C'est mon fils qui m'a passé ce bouquin. Au début j'ai tardé à commencer à le lire mais ensuite j'y revenait tous les jours pour en savoir encore plus. Je crois qu'il coûte environ 20 € mais on doit pouvoir le trouver d'occasion.

En effet, pas facile d'accès. En 8h de train, j'ai lu 43 pages seulement.
Mais intéressant. Il faut avoir le dico à portée de main.

Je l'ai lu en deux semaines. Après le 1er tiers c'est plus digeste parce qu'il y a beaucoup d'exemples.

1O811O a écrit:

Je me tâte pour lire ce livre, mais si la synthèse le résume si bien, est-il alors intéressant de lire en plus le livre ?
Qu'apporte-t-il de plus ?

T'es gonflé !
Si on a une bonne photo de la sculpture, est-il vraiment utile de la voir en vrai ?

Pour les radins   , il y a une interview de Nathalie Heinich dans le dernier numéro d'Artension.

Ouille..Trop Intello pour ma pauvre Têtes à claques ..